Cuando en noviembre se rumoró la posibilidad de una reunion del mítico grupo Faces, una sonrisa se vio esbozada en aquellos que gustamos de una de esas bandas que por infortunio no alcanzó a ser lo que hubiera debido ser, en gran parte por el estrellato que Rod Stewart alcanzó a la par de su participación con la misma.
Ahora la historia se ha empantanado. La idea, que surgió en un encuentro casual de Ron Word con el teclista Ian McLagan y el baterista Kenney Jones en Londres, no ha sido confirmada oficialmente por Rod Stewart y por el contrario fue motivo de un total descrédito por parte del vocalista.
Aunque McLagan inicia la promoción de un disco solista, es quien más interesado está en la reunión. En días pasados dijo a Billboard.com que Ron Word estaba en Los Angeles tratando de establecer el asunto con Rod Stewart y que la idea era llevar el proyecto a cabo en junio o julio, “porque yo no quiero esperar hasta el próximo año, no voy a esperar de nuevo, será ahora o nunca. Cruzo los dedos pero no voy a gastar energía intentando que las cosas pasen. He estado esperando 30 años para que esto suceda y ahora está en la venia de los dioses… o tal vez en las manos de Rod”.
Una de las ideas originales era que Flea, el bajista de Red Hot Chili Peppers hiciera parte del proyecto, e incluso que el grupo pudiera grabar un disco, que sería el primero para la banda desde 1973. Pero Flea, así como lo hizo Rod Stewart, negó en enero anterior que fuera a hacer parte de una gira de Faces.
En esas condiciones… sólo resta esperar!!
1960
"EL PASO" - Marty Robbins
(Album": Gunfighter Ballads and Trail Songs, Marty Robbins, 1959)
Número uno: * Enero 04 1960 * Enero 11 1960
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"RUNNING BEAR" - Johnny Preston
(Album: “Running Bear (Bear Family)”, Johnny Preston, 1959)
Johnny Preston logró el momento más importante de su carrera cuando “Running Bear” llegó al número uno de las listas norteamericanas. John Preston Courville nació en Port Arthur, Texas, el 18 de agosto de 1939. Sus inicios musicales dentro del ambiente de la balada pop y el rock fueron hacia 1957 con un grupo llamado The Shades, con el que tocaba en la Universidad Lamar y que pronto llamó la atención del DJ y cantante Big Bopper (Jape Richardson) quien lo introdujo al sello Mercury. Fue justamente Richardson quien escribió y produjo este tema para Preston, una triste historia de amor al interior de los Indios Rojos. La canción tardó cuatro meses en alcanzar las listas norteamericanas y llegó a ser un gran éxito tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, curiosamente luego de la muerte de su apoderado Big Bopper, en el famoso accidente aéreo en el que también perdió la vida el pionero del rock and roll, Buddy Holly. A pesar de que Preston tuvo una desastrosa gira por Inglaterra en la que debió cancelar tres shows por baja venta de boletería logró un par de éxitos Top 20 en ambos países. En 1965 hizo un revival de este tema, titulado “Running Bear 65”, una divertida canción, llena de humor. Preston grabó para los sellos Imperial, TCF Hall, ABD y Hallway pero nunca volvió a acariciar el éxito. Como interprete siguió con una carrera que desarrolló en su pueblo natal, cerca de Dallas.
Número uno: * Enero 18 de 1960 * Enero 25 de 1960 * Febrero 01 de 1960
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"TEEN ANGEL" - Mark Dinning
(Album: Wanderin', Mark Dinning, 1959)
Dinning nació en Oklahoma y empezó a tocar la guitarra a los 17 años. Se hizo un tanto popular en el ámbito de la música country y en 1957, gracias a un publisher de Nashville llamado Wesley Rose, consiguió un contrato con MGM Records. “Teen Angel”, que fue prohibida por algunas estaciones de radio al considerarla morbida, fue escrita por Jean Dinning, una de sus tres hermanas quienes conformaban un trio conocido como las Dinning Sisters, muy popular desde comienzos de los años 40 hasta entrados los años 50. Dinning murió como consecuencia de un infarto cardíaco en 1986.
Número uno: * Febrero 18 de 1960 * Febrero 25 de 1960
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"THE THEME FROM 'A SUMMER PLACE'" - Percy Faith
(Album: “Percy Faith's Greatest Hits”, Percy Faith, 1959)
Con lúcidos arreglos de cuerdas y una simétrica base rítmica, esta pieza se convirtió en uno de los más grandes éxitos instrumentales del pop de inicios de los años sesenta. Con 9 semanas continuas en las listas de la revista Billboard, fue el tema del año según la prestigiosa publicación. Percy Faith fue uno de los artistas más populares de la música adulta entre los años cincuenta y sesenta, no sólo por el suceso de sus grabaciones sino porque cuando trabajó como director musical de Columbia Records fue el responsable de los arreglos en grandes éxitos de artistas como Tony Bennett, Doris Day y Johnny Mathis, entre muchos otros. Faith nació y se crió en Toronto, Canadá, y fue un niño prodigio. Desde los 15 años de edad tocaba el piano, especialmente en teatros para acompañar películas mudas. Pero su carrera como pianista duró muy poco luego de herirse sus manos en un incendio a los 18 años, razón por la cual dedicó su talento a la producción, los arreglos y la radio, desarrollando además un inconfundible y suntuoso estilo de arreglo instrumental. En 1952 tuvo su primer número uno con “Delicado” y a medidados de esa década se hizo fuerte en la composición de bandas sonoras y temas para películas, siendo el de mayor trascendencia éste “The Theme From ‘A Summer Place’” que le representó su primer premio Grammy. Con el advenimiento del rock and roll, Faith se dedicó a hacer versiones instrumentales con arreglos especiales de los éxitos del momento y a pesar del decaimiento de su popularidad a finales de esa década, siguió grabando hasta su muerte en 1976.
Número uno: * Febrero 22 de 1960 * Febrero 29 de 1960 * Marzo 07 de 1960 * Marzo 14 de 1960 * Marzo 21 de 1960 * Marzo 28 de 1960 * Abril 04 de 1960 * Abril 11 de 1960 * Abril 18 de 1960
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“STUCK ON YOU” – Elvis Presley
(Disco sencillo)
Número uno: * Abril 25 de 1960 * Mayo 02 de 1960 * Mayo 09 de 1960 * Mayo 16 de 1960
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CREAM – Prince & The New Power Generation
(Prince) (Diamond And Pearls) (1991)
Diamonds And Pearls, publicado en 1991 fue el álbum con que Prince dio a conocer su nuevo ensamble llamado New Power Generation. Y sería éste su último mejor album en muchos años, casi en la década de los noventa, en una época en que ya él iniciaba una larga disputa con su compañía discográfica Warner Brothers. Esta canción con un ambiente erótico, un rhythm and blues sofisiticado y de excelente elaboración, le dio a Prince su quinto número uno en las listas norteamericanas en la segunda semana de noviembre de 1991, mes y medio después de que hubiera logrado el número 15 en las listas británicas.
SO FAR AWAY – Carole King
(Carole King) (Tapestry) (1971)
Tapestry sigue recordándose como uno de los mejores álbumes de comienzos de los años setenta y uno de los más populares a lo alrgo de toda esa década. Carole King se había destacado como compositora durante los años sesenta al lado de su entonces esposo Gerry Goffin trbajando para el legendario Brill Building en Nueva York. Publicado en 1971, Tapestry fue el segundo disco en su trabajo como solista, con el respaldo del guitarrsita Donny Kortchmar, el baterista Russ Kunkel y algfunas apariciones de James Taylor. Un álbum cuidadosamente elaborado que le permitió ganara 4 premios Grammy. Producido por el mítico Lou Adler, Tapestry se mantuvo durante 15 semanas en el número uno de las listas, en las que permaneció durante 302 semanas, vendiendo más de 15 millones de copias. Allí se incluyó esta hermosa y sencilla canción llamada “So Far Away” que fue número 14 en listas de sencillos en los Estados Unidos en agosto de 1971.
I FEEL LOVE – Donna Summer
(Pete Bellote, Giorgio Moroder, Donna Summer)
Donna Summer es el mejor reflejo del talento del productor de origen italiano Giorgio Moroder, un hombre que en medio de la experimentación electrónica de la escuela alemana que imperaba por aquellos días, conoció a Donna Summer cuando ella hacía parte de la gira del musical Hair. Grabando en los Musicland Studios de Munich, Moroder y Summer tardaron un par de años para concretar lo que sería su gran debut y suceso mundial con el tema erótico “Love To Love You Baby”. Este “I Feel Love”, cocompuesto por la propia cantante al lado de Moroder y su socio Pete Bellote es todo un ícono dentro de la historia de la música electrónica discotequera y uno de los primeros pasos hacia lo que sería la música tecno. Se incluyó en el tercer álbum de Donna Summer llamado “I Remember Yesterday” y se caracterizó justamente por sus secuencias electrónicas su sensualidad y su visión futurista. La canción fue número uno durante cuatro semanas en Inglaterra y únicamente llegó al número 6 en los Estados Unidos. Gran canción que consolidó en su momento a Donna Summer como la reina de la música disco, título que no habría sido posible de no ser por la habilidad y genialidad de su productor Giorgio Moroder.
IF THIS IS IT – Huey Lewis And The News
(Huey Lewis) (Sports) (1984)
Huey Lewis And The News es uno de los grupos de mayor éxito en los Estados Unidos durante los años ochenta. Y resulta particular porque en una época en que los derivados del new wave y el dance dominaron la escena de la música, esta banda en una fusión de elementos del rock de los pubs británicos y el rock and roll de los sesenta logró una impresionante serie de éxitos entre 1982 y 1989. Huey Lewis procedía de una gran banda del área de San Francisco de mediados de los años setenta llamada Clover. Luego de su disolución, él trabajó un tiempo en Inglaterra al lado de Dave Edmundo y Nick Lowe. A su regreso a Norteamérica conformó esta banda que rápidamente fue contratada por el sello Chrysalis. Este tema llamado “If This Is It” fue le cuarto sencillo de su tercer álbum, titulado “Sports” y que llegó a ser el más popular en su carrera si bien fue uno de los discos más exitosos en la escena de la música mundial entre 1983 y 1985 con más de 6 millones de copias vendidas. “If This Is It” con ese particular manejo de vientos, y una excelente porpuesta rítmica al lado de los singulares vocales de Huey Lewis, llegó al puesto 6 de las listas en Estados Unidos y como cosa curiosa, fue le primer sencillo éxito para la banda en Inglaterra donde alcanzó un mediano puesto 39.
YOU SHOULD BE DANCING – The Bee Gees
(Barry Gibb, Robin Gibb, Maurice Gibb) (Children Of The World) (1976)
Los Bee Gees pasaron de ser una simple agrupación baladística a uno de los fenómenos discotequeros de los años setenta en un interesante proceso gradual que se debió sin duda a la aparición del mítico Arif Mardin como productor de su álbum “Mr Natural” en 1974, a pesar de que en su momento, este disco les significó a nivel de popularidad más bajo de su carrera. Pero Mardin los metió en los aires del rhtyhm and blues y el funk y ello se reflejó en “Main Course”, publicado al año siguiente y que abrió de nuevo la brecha del éxito que mantuvieron una vez más con su siguiente producción, “Children Of The World” que, publicado en 1976, es sin duda su disco más arraigado en esa línea de la música negra aunque contradictoriamente no contó con Arif Mardin en la producción debido a problemas contractuales. Pero además hay una anécdota en torno a esta grabación y es que los Bee Gees estuvieron en sesiones de producción con otro grande del ámbito rhythm and blues como es Richard Perry, pero al no funcionar, finalmente la producción corrió por cuenta de la propia banda y sus cercanos de toda la vida Alby Galuthen y Karl Richardson. “You Should Be Dancing” fue el tercer número uno para los Bee Gees en los Estados Unidos, más exactamente en septiembre de 1976, en una propuesta rica en ritmo, con excelente trabajo de vientos, la presencia como invitado de Stephen Stills quien hace la percusión y una de las grandes canciones del sonido disco de los setenta que además alcanzó el puesto número 5 en las listas británicas.
JUST THE WAY IT IS, BABY – The Rembrandts
(Phil Solem, Danny Wilde) (The Rembrandts) (1990)
Este dúo de Los Angeles llamado The Rembrandts e integrado por Danny Wilde y Phil Solem, se recuerda básicamente por dos piezas. Por un lado, “I’ll Be There For You” tema central de la popularísma serie de televisión “Friends” y por esta hermosa canción llamada “Just the Way It Is, Baby” éxito entre finales de 1990 y comienzos de 1991, que llegó al número 14 de las listas norteamericanas y que hizo parte de su álbum debut llamado igualmente The Rembrandts. Con claras influencias Beatles dentro de un ambiente pop rock, fue una banda de corta historia que grabó tan sólo dos álbumes y que se separó en 1996 a pesar de que en 1998 regresaron bajo el nombre de Danny Wilde and the Rembrandts y con un sonido renovado en un ambiente más roquero, con un álbum titulado Lost Together en el año 2001.
WHAT I LIKE ABOUT YOU – The Romantics
(Jimmy Marinos, Wally Palmer, Mike Skill) (The Romantics) (1980)
The Romantics es una de las expresiones claras de lo que se conoce como el power pop. Un sonido basado en el rock and roll, explosivo, rico en ritmo y expresión que a finales de los años setenta tuvo sus mejores exponentes en agrupaciones como Cheap Trick, The Knack y esta banda que se había conformado en Detroit en 1977 con Wally Palmar como guitarrista y vocalista, Jimmy Marinos en la batería y vocales, Mike Skill en la guitarra y Richie Cole en el bajo. Luego de algunos trabajos publicados independientemente fueron contratados por Epic Records en 1979, aunque su primer disco, autotitulado “The Romantics” sólo se publicó un año después. Allí se incluyó esta canción, una de las más memorables dentro de este estilo musical y que si bien sólo alcanzó el puesto 49 de las listas, llegó a ser luego un auténtico clásico de la generación MTV. Si bien la banda consiguió sus temas más exitosos tres años después en una línea más comercial con “Talking In Your Sleep” y “One In A Million”, sólo grabaron un disco más en 1985 a pesar de que han seguido activos reuniéndose ocasionalmente pero sin realizar grabaciones.
6th AVENUE HEARTACHE – The Wallflowers
(Jacob Dylan) (Bringing Down The Horse) (1996)
A mediados de los años noventa y dentro de toda la recapitulación que hizo el rock dentro de lo que se conoció como el movimiento alternativo una de las tendencias marcadas de la época fue la de retomar los sonidos raizales del rock y dentro de esa línea se encontró The Wallflowers, esta banda liderada por Jacob Dylan, hijo del legendario Bob Dylan. A pesar de que en 1992 esta banda grabó un nada exitoso disco con el sello Virgen Records, su revancha llegó 4 años después cuando bajo el sello Interscope logrando un inusitado éxito con su álbum “Bringing Down The Horse” que se convirtió en uno de los trabajos musicales más importantes del año 97 en la escena del rock norteamericano, Fue número 4 en listas e incluso le dio un premio Grammy por su canción “One Headlight”. El tema que escuchabamos, titulado “6th Avenue Heartache” es una prueba clara del estilo de Dylan y su banda, un rock muy clásico con influencias de artistas como Tom Petty en una dinámica sencilla, de buena melodía y una canción que alcanzó el puesto 25 de las listas. Vale la pena decir que con 5 álbumes en su haber, la agrupación nunca ha repetido el suceso de esta grabación.
LUCKY STAR – Madonna
(Madonna) (Madonna) (1983)
Madonna es sin duda una de las grandes reinas del pop de los años ochenta y esta es sin duda una de las canciones responsables de ese suceso. Cuando este tema alcanzó su tope de popularidad en octubre de 1984 fue sin duda el empuje final que necesitó Madonna para que su primer álbum autotitulado y que se había publicado un año atrás alcanzara el millón de copias vendidas. Vale anotar que “Lucky Star” fue el primer sencillo de Madona publicado en Inglaterra, con el que curiosamente no sucedió nada aunque reeditado luego llegó a ser número 14 en esas listas en abril de 1984. Una canción significativa que hizo parte de un proceso que sin duda inició esta cantante en la transición que la llamada música disco, en fusión con el pop más elemental, se convirtió en la llamada música dance. Con la producción del célebre Reggie Lucas, este “Lucky Star” que llegó hasta el puesto 4 de las listas en Estados Unidos es lejos un ícono de la música de los años ochenta.
RIGHT BY YOUR SIDE – Eurythmics
(Dave Stewart) (Torch) (1984)
Eurythmics es uno de los grandes proyectos ejemplo de lo que fue el paso del new wave de comienzos de los ochenta a fórmulas musicales muy sólidas y de verdad que esta agrupación liderada por Dave Stewart y Annie Lennox gozó de una gran vitalidad en su fusión de la tecnología puesta al servicio de la música con aspectos cercanos al rhytmh and blues, al rock, al soul y obviamente al pop. Una gran voz la de Annie Lennox y canciones llenas de una particular gracia como puede ser este “Right By Your Side” que fue el último sencillo extraído de su álbum “Touch”, un álbum que se grabó en una Iglesia en desuso en Croach End, en Londres y que en lo sucesivo se convertiría en el centro de operaciones de la banda bajo el nombre de The Church. Esta grabación contó con la participación de Michael Kamen en los arreglos de cuerdas y Dick Cuthell en los vientos y la canción como tal, alcanzó el puesto 29 de las listas norteamericanas en septiembre de 1984.
TONIGHT TONIGHT TONIGHT – Genesis
(Phil Collins, Mike Rutherford, Tony Banks) (Invisible Touch) (1986)
Una de las agrupaciones con mayor cambio en su música en pro del éxito a lo largo de la historia del rock es Genesis. Y es que la banda pasó gradualmente de un sonido en excelso progresivo en los años setenta con Peter Gabriel como eje central a una propuesta rock pop de alta sofisticación que en los años ochenta les dio un sitial como una de las bandas de mayor éxito en el mundo ahora con la presencia inminente de Phil Collins quien a la vez hizo una carrera paralela y de gran suceso como solista. Ahí que reconocer que siendo “Invisible Touch” el álbum de mayor suceso comercial de Genesis, esta canción “Tonight Tonight Tonight” no era propiamente la más adecuada para convertirse en éxito, pero fue un logro total en gran parte a que fue utilizada fervorosamente en la campaña publicitaria de una marca de cerveza. Así que con un sentido poco comercial. El tema se sumó a 4 más que previamente ya habían sido éxito de este álbum alcanzando el número 18 en Inglaterra y el puesto 3 en los Estados Unidos. Una buena pieza sin duda, de un álbum que vendió más de cinco millones de copias y que consagró a Genesis en una línea muy distinta a la que lo rotuló antes como una de las bandas más significativas del rock progresivo.
Escribí una reseña para Rolling Stone, edición de noviembre sobre un álbum recopilatorio de la agrupación británica Gomez. Debo decir que esta es una banda muy particular. Aún recuerdo el día que la conocimos gracias a Juan Pablo Restrepo, eso fue en 1998, estabamos en 99.1 y fue allí donde la hicimos sonar. El año pasado escuchamos "Catch Me Up", una divertida canción con un video ídem, que simplemente mostraba la permanencia de una banda que hoy día afronta su carrera desde lo independiente. También es cierto que HUT Records fue vital en su despegue como lo ha sido para otros grupos y artistas que pertenecen al catálogo de esta compañía como The Verve y su ex líder Richard Ashcroft, o Placebo...
Este disco contiene ante todo canciones lados B (B Sides). Cosa curiosa porque los lados B dejaron de existir cuando dejaron de prensarse discos sencillos de 45 r.p.m. en vinilo, lo que sería entonces “temas extras” y que se incluyen en los sencillos, particularmente los británicos que lanzan una canción con tres o cuatro versiones distintas del tema objetivo y que van acompañados por distintos temas extras.
Al margen de mi reseña sobre esta colección debo admitir que mi disco favorito de la banda es “In Our Gun”, una verdadera joya musical , encantadora, con mucho ritmo y grandes canciones.
Esta es la versión en bruto de mi reseña, sin pasar por las manos de la joven Astrid Harders, editora de la revista en mención.
GOMEZ
Five Men In A Hut (A’s, B’s & Rarities: 1998 – 2004)
HUT – Virgin – EMI Music
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Gomez no es reflejo del movimiento brit-pop de los noventa. Gomez no es la reinvención de The Faces, Rolling Stones ó Beatles, argumento vital de toda esa colada de grupos que como Oasis brillaron hace un década en el panorama internacional. Sin embargo, la popularidad y reputación de Gomez fue casi instantánea cuando su primera grabación, “Bring it On”, los hizo merecedores, en 1998, del Mercury a mejor álbum británico, uno de los premios más codiciados en la escena del rock inglés.
En ese álbum, Gomez mostró una marcada influencia de las raíces del blues, sus vocales líderes se asemejaban a Eddie Vedder de Pearl Jam y, en general, planteaban un sonido simple, bien acoplado y con gran sentido estético. Si “Liquid Skin” fue en 1999 una extensión sofisticada de su primer disco, éste dejó sentir un gran eclecticismo, inspirado más en las formas de la música americana que la inglesa. Tres años más tarde, condensaron toda esa amalgama en “In Our Gun”, un álbum de mucho “groove” con algunos matices electrónicos.
Que ahora se publique un álbum doble recopilatorio de su trabajo entre 1998 y 2004 no es más que el último envión de su antigua compañía discográfica, HUT, (que ya había publicado un compilado de lados B en el año 2000 titulado “Abandoned Shopping Trolley Hotline”), en una válida oportunidad para ejercitar el oído a través de las distintas tendencias de la banda en un solo paquete. Bien es cierto que más de la mitad de estas 36 canciones corresponden a los llamados B Sides, lo que también es una excelente oportunidad de ir más allá de sus grabaciones meramente oficiales y saborear una serie de ambientes musicales que enfatizan en el gran marco creativo de una banda que, aunque nunca brilló con la grandilocuencia de Oasis ó Blur, merece un sitial dentro de los grandes nombres del rock británico de la última década.
Finalizado Rock Al Parque no queda más que una extraña sensación. Todo fue muy rápido, de repente ya estabamos despidiendo la última colada de artistas y el pasado volvía a ser el amigo de excepción del festival. Y claro, desde la óptica de organizador resultan sorprendentes los comentarios que se escuchan en uno y otro lado. Positivo, sí, sin duda. Hubo una buena respuesta y en verda es satisfactorio, pese a los desmadres de algunos desadaptados que quisieron dañar el espectáculo asumiendo el inconformismo con trazos de violencia. Violencia trae violencia... qué más se puede decir.
Lo que sí es curioso es la respuesta de aquellos que frecuentan blogs, particularmente un par de ellos que abrió el periódico El Tiempo, donde lanza en ristre varios atacan el festival convirtiéndolo en una especie de fiesta maligna sin ningún sentido ni criterio... es decir, el trabajo que hicimos vale poco ante los ojos de estos inconformes. Otros van más allá criticando la falta de artistas de primera talla en el festival y, claro, qué más quisiera uno desde la organización del "festival gratuito más grande de latinoamérica" que los nombres de Red Hot Chili Peppers, Muse, Interpol, Radiohead, The Cure, Placebo, Pearl Jam o cualquier otro de la misma estirpe, se elevara en el escenario de la Plazoleta del Parque Simón Bolívar. Obvio, es el gran sueño... pero aquellos que fácilmente critican, deberían investigar más a fondo. Rock Al Parque se hace con recursos que no son tan altos, pero que son los más altos al interior del Instituto de Cultura y Turismo para cualquiera de sus eventos. Sin mencionar cifras, vale anotar que el presupuesto internacional del festival el presente año, no hubiera alcanzado para pagar una agrupación como Placebo. Con eso digo todo.
Total, el esfuerzo de tener a Fear Factory, o como el año pasado a Apocalyptica, se queda en poco para muchos inconformes. Nadie sabe en realidad lo difícil que es proyectar Rock Al Parque desde lo artístico. Más de 100 bandas extranjeras se ponen a disposición del festival, la gran mayoría de ellas de mucha más baja calidad si se compara con algunas locales que ni siquiera clasificaron a la fase preliminar del festival. El rock latinoamericano está en crisis. No hay un movimiento consolidado. La gran crisis del mercado del disco hace que la mayoría de las bandas de nuestro continente sean independientes, sin que ello signifique que sean buenas.
Con pinzas se escoge lo mejor del mundo rock latinoamericano del momento y por eso estuvo Zoé, por eso Telefunka, por eso Panda (aunque no lo crean... es fenómeno, o no lo vieron?), por eso Papashanty y Chuck Norris, por eso Karamelo Santo... Qué complicado es. Tanto es así que el 70% de las bandas que asisitieron al festival no cobraron por su presentación, lo que habla del posicionamiento del mismo a nivel internacional.
Y si voy a hablar de lo local, nadie se siente contento con los procesos. El rock bogotano en particular convirtió a Rock Al Parque en fin único. "Debemos tocar en Rock Al Parque" parece ser la consigna de todo aquel que tiene una banda, mientras lo demás parece no importar. El rock se perfecciona tocando, luchando, bregando siempre por ser mejor. Muchas bandas parecen no entender eso. Hay algunas que para las convocatorias del Instituto de Cultura y Turismo llevan tres años seguidos presentando el mismo "demo". Hay bandas -la mayoría de ellas- que sólo graban sus "demos" cuando se llega la apertura de estos concursos. Todo con la única intención de llegar al festival. Una buena causa, sin duda, no todos los días un grupo va a tocar frente a más de 10 mil, mucho menos de 30, 40 ó 60 mil personas. Pero no se pueden olvidar los procesos, no sólo los internos de una banda, sino los que necesita el rock bogotano para crecer.
Este año, al interior de la gerencia de Música en el Instituto, hicimos el ejercicio de integrar los festivales de rock de las localidades y la experiencia fue gratificante, gratificante hacia afuera de los festivales, esperamos que llame la atención en importancia a quienes los organizan, al público
y a las mismas bandas de las localidades. No puede haber localidades magnánimas en población a cuyos festivales de rock asisten 500 jóvenes. Hay todo un trabajo para concretar la verdadera importancia de estos festivales menores, algunos de ellos en los que en verdad vale la pena rescatar el seguimiento, la constancia y el profesionalismo como el de la localidad de Fontibón.
Pero no es justo que en una ciudad donde casi todas las universidades cuentan con facultad de música, donde existe una cantidad innombrable de tiendas de instrumentos musicales, academias, cientos de estudios de grabación entre profesionales y semi profesionales, cientos de bandas y proyectos, aún escuchemos grabaciones caracterizadas por su falta de propuesta, originalidad, afinación e interpretación.
En fin, podría pensar que gran parte del dilema roquero de la ciudad es que finalmente pertenecemos a un país tropical, tan tropical como Brasil, Venezuela, Panamá o Jamaica, en donde los aires musicales tropicales nos dominan. Pero contradictoriamente, tenemos Rock Al Parque y en verdad es un orgullo hacer parte de su equipo organizador. Procuraremos, si el destino nos tiene ahí, que el año entrante el festival haga parte de un proceso más extenso y prolongado, que hablemos de Rock Al Parque desde enero del 2007 y que sigamos con ganas de criticar, para bien o para mal. Ya me estoy creyendo aquello que un día me dijo Héctor Mora, quien hábilmente organizó seis ediciones anteriores del festival: "En Colombia todo el mundo en su interior lleva un técnico de la selección Colombia y un director de Rock Al Parque". (Fotos: Pestilencia, Manu Chao y Zoé por Tatiana Pereira)
